如何将一个商业空间场景运营好，笔者认为其关键在于内容。它往往是整个环节中最复杂同时也是最简单的节点。从现状看，国内的创意内容产业尚未达到一定的工业化基础，可谓鱼龙混杂，品质不一，原因复杂。
在所有的创意媒介手段中，在商业化运用中结合的最紧密的就是新媒体艺术，其“新”就新在“交互性”“实时性”“创意性”“稀缺性”等，在此基础上，创作者还会将大量的媒介载体进行叠加，如声光电水火等。但是，它绝不应该被当做一种噱头。在“Z世代”消费者崛起的背景下，如果运营方一直沿用以往的惰性思维，在运营思路上不能和年轻消费者达成共识的前提下，是无法应对个性十足的消费需求的，也往往造成大量成本的浪费。
随着我国经济“内循环”的开启，在后疫情时代，线下场景如何进行景点化，关键就是“新媒体艺术如何植入场景中”，让消费者能够在众多的场景中记住独一份的“你”。这时，起作用的恐怕不是大家所知道的裸眼3D、全息投影或别的什么黑科技手段。屏幕还是那块屏幕、投影还是那个投影，但对于视觉、创意的要求将被提高到尽可能极致的高度。说到底，新媒体艺术最高的要求就是对于想象力的追求，在缺少优秀内容以及个性化的这个时代，“想象力是最稀缺的资源”。
当我们在做场景化的体验时，我们在做什么呢？技术？文化？还是视觉？这个问题可能如“一千个人眼中有一千个哈姆雷特”一样。其中，运营方考虑是投入产出比，新媒体艺术公司考虑的是文化体验。从本质层面上说，两者的利益是和谐一致的，但是在日常的操作中，两者却是一个不对等的甲乙方状态。那么，怎么来协调这种不对等的状态？是资本在说话？是运营方的霸道总裁在“话事”？
回答这个问题之前，笔者首先提一个运营方的痛点。在当下互联网时代，信息发布以及获取都拥有极大便利，但同时也带来信息研判及筛选的极大困难。因此就运营而言，我们最重要的事情是，通过提升信息研判以及筛选的能力，准确判断创意度以及背后的商业逻辑。
说回上面的问题，场景化体验究竟是技术或文化，还是视觉都不重要，重要的是要认识一个问题的关键，新媒体艺术公司大部分都是由“90后”的年轻人创立，所以大部分情况下他们所代表的视角其实就是当下年轻人的视角，这明显带有“后喻文化”的特征。例如，“颜值即正义”这句话可能在泡泡玛特上市之前所有的投资人以及运营方都理解不了，这个盲盒怎么有这么大的粘性。
因此，假如我们的运营方并不知道年轻人在玩什么，轻易说年轻人是“无知”，其实是极为“不智”的。POPMART之后大家知道“Z世代”的厉害。
年，拼格做了一件事，将“数字驱动”与“沉浸式体验”进行结合，将生产最佳体验的能力进行到底。未来的世界是在线的世界，我们应该在在线的世界里面去进行万物生长的演变，新媒体艺术的生存必然是“赛博朋克”式的生存。
在“预见”第一季中，施韩原组织了一次中国万人在线编程比赛。最近，拼格在开启一个全新的体验——将我们的动作、手势、身着颜色进行逻辑梳理，融合进来视觉规则表达以内，引入人工智能来进行“沉浸式场景”的表达，将空间的体验做到极致。将新媒体艺术整合进室内科技场景，对于任何想象力的释放都意味着潜能巨大。在4G时代我们在发明技术与科技，而在5G时代，我们应该将技术与科技搭建重构我们的日常场景，这是因为视觉之于人类，是有一种本性的感知，而对于潮的、酷炫的、可爱的视觉，年轻人更容易产生一种共情的心理。
新媒体艺术之所以能够吸引到大家的目光或者说是能够得到商业运用的青睐，最重要的一个点就是因为这个事情见的人少了，这个创意稀有了、难得了，因此好的创意需要被看见、被尊重，年轻人同样需要被看见，更需要被尊重，不然新媒体艺术也会变成旧媒体艺术。
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来源：中国贸易报
作者：刘志良系志愿者、拼格创意科技创始人、中国美术学院拼格创意媒体奖学金设立者
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